Une brève histoire de l'opéra - Musique et spectacle

Après avoir introduit musique classique et pièces célèbres dans le passé, je veux consacrer l'article d'aujourd'hui à l'opéra, qui est l'une des formes de musique les plus intimidantes. C'est intense, long et fort. Non seulement le public doit comprendre ce qui se passe musicalement, mais il doit également suivre l'intrigue et observer comment les images, les sons, les gestes, les accessoires et la scénographie interagissent pour créer un monde qui reflète le nôtre. Il brouille également le rapport entre réalité et fiction. Howard Goodall a pensé que, contrairement à d'autres formes de musique savante telles que la symphonie ou le concerto, l'opéra est la forme dans laquelle la musique s'interface avec le monde réel - l'amour, la mort et la politique. Mais est-ce cela ? L'élément du monde réel de l'opéra n'est certainement qu'un petit élément, voire négligeable, de la forme. Comme Martin Crane l'a commenté avec dédain, les intrigues de la plupart des opéras sont tout simplement loufoques. Il y a plus que la réalité, plus que le drame. Il y a la musique et le spectacle.

Table des matièresDévelopperEffondrement

1. Origines
2. Une forme d'art divisée : Opera Seria et Opera Buffa
3. Unification : Gluck et Mozart
4. L'âge d'or : le XIXe siècle
5. Opéra : l'oeuvre complète ?
6. Lecture recommandée:
7. Ouvrages cités:

L'inspiration de l'opéra - Théâtre grec

Origines

L'opéra a commencé comme une forme construite. Contrairement à d'autres formes musicales, il n'a pas évolué en relation avec d'autres développements musicaux, comme la forme sonate résultant du développement du tempérament égal. Il a explosé sur la scène. La fascination de la Renaissance pour le monde antique des Grecs et des Romains a créé l'opéra. C'était l'un de ses plus grands fruits, bien qu'égarés. L'idée originelle de l'opéra était de recréer le drame grec, en conservant, comme Marianne McDonald révèle, les éléments de la tragédie d'Aristote : l'intrigue, le personnage, la pensée, le langage, le spectacle et la musique. Bien que des exemples antérieurs de musique vocale existaient, ils ne mettaient pas l'accent sur l'intrigue, le personnage et le spectacle qui étaient donnés à l'opéra. Par exemple, les chorals de l'Église et les pièces de morale musicale comme Hildegarde de Bingen L'ordre des vertus (1151) s'intéressaient plus à la louange de Dieu qu'à l'attrait suspensif de l'auditoire. Comme pour de nombreuses formes créées, l'opéra a eu une enfance difficile et ces premières années sont dignes d'un opéra elles-mêmes.

Acte I

Jacopo Peri compose Daphné (1598), l'introduction établissant la forme. La musique est maintenant perdue, seul le texte a survécu et les récits sont vagues et minuscules. Ce n'est cependant pas tout à fait inattendu. L'opéra a été conçu en comité, une recette sûre pour le désastre. La Florentine Camerata, un groupe de penseurs, de poètes et de musiciens très influents, s'est réunie régulièrement au cours des décennies précédant la première de Peri. Leurs idées, principalement celle de faire revivre ce qu'ils considéraient comme des approches classiques du théâtre, ont conduit à l'idée de l'opéra. Peri a été chargé de composer la première pièce.

Acte II

Malgré le premier opéra plutôt sans intérêt, il offrait une seconde chance, même si cela créait un degré de conflit qu'il faudrait un héros pour résoudre. La famille Médicis, les dirigeants de Florence, étaient suffisamment intéressés par l'œuvre pour offrir une première au prochain opéra de Peri, Eurydice (1600). Cette deuxième tentative a certainement donné lieu à du spectacle bien que cela soit dû à son thème, l'amour condamné, considéré comme inapproprié pour l'occasion de sa première : le mariage royal entre Marie de Médicis et le roi Henri IV de France. Cependant, il avait deux grâces salvatrices qui laissaient espérer la victoire finale dans le troisième acte. Il a encore amélioré la forme du récitatif et sa relation avec ses homologues, l'air et le chœur. Plus important encore, ces innovations ont encouragé le duc Vincenzo Gonzaga de Mantoue à donner la forme à ses musiciens.

Claudio Monteverdi

Acte III

Enfin, le héros est présenté qui peut sauver la forme éphémère de l'oubli ultime. Claudio Monteverdi était le principal compositeur de Duke Vicenzo et un musicien incroyablement capable. Son passage de la monodie à l'opéra est évident mais spectaculaire. Monteverdi possédait l'étendue des connaissances pour développer cette forme d'art, nous donnant L'Orphée (1607), le premier opéra survivant encore joué régulièrement aujourd'hui.

Une forme d'art divisée : Opera Seria et Opera Buffa

Un autre élément qui sépare l'opéra des autres formes est qu'il a réussi à séduire à la fois la noblesse riche et le grand public. Cela a été facilité par l'ouverture d'opéras publics. Le Teatro San Cassiano de Venise a ouvert ses portes au grand public en 1637. Il était dirigé par un imprésario (gérant de maison) et soutenu par la vente de billets au grand public plutôt que d'être exclusivement réservé à la noblesse et financé par un riche mécène. Cela a conduit à une division : la opéra sérieux ou opéra sérieux qui était pour la cour, et le opéra comique ou des opéras comiques qui étaient logés dans les théâtres publics. La principale différence n'était pas seulement le niveau d'humour, mais aussi le sujet, le public visé et le style musical. Opéra série racontait des histoires de mythes et de rois, avec la noblesse comme public visé et avait une forme musicale stricte en trois actes qui favorisait les voix les plus élevées dans les rôles principaux. D'un autre côté, l'opéra buffa tendait vers des histoires quotidiennes dans des dialectes plus simples, souvent régionaux, et avait une forme plus libre en deux actes avec des voix presque exclusivement inférieures contrairement à la voix supérieure singulière. Les deux ont connu un grand succès, et avec le succès sont venus l'extravagance et certaines pratiques décadentes. Une extravagance particulièrement extrême a été le phénomène de la castré . Bien qu'antérieur à l'opéra, il connut son apogée au 18^esiècle, bon nombre des interprètes d'opéra les plus célèbres étant castrats. Un jeune avec une voix chantante particulièrement belle serait castré afin de conserver la fréquence plus élevée de sa prépubescence, mais cela serait complété par la richesse de la plus grande cavité thoracique qu'un homme aurait. Bien qu'il s'agisse d'une pratique courante, cela a suscité une certaine indignation. Les castrats ont été félicités pour leur voix et moqués pour leur apparence étrange (résultant du manque de testostérone) et leur jeu maladroit et maladroit. Ils ont également été dénoncés dans les cercles sociaux comme des centres d'immoralité, d'autant plus que leur notoriété grandissait. Il y avait aussi beaucoup de dommages collatéraux, de nombreux garçons issus de familles pauvres étant castrés dans l'espoir de devenir des stars de l'opéra, et dans la plupart des cas, ils échouaient. Mais comme toute indulgence taboue, les gens allaient toujours aux concerts, encourageant la pratique à se poursuivre jusqu'à la fin du XIXe siècle. Un dernier castrat, Alessandro Moreschi, a été enregistré au début du 20^esiècle, bien que Moreschi ait été employé comme chanteur de chœur à la Chapelle Sixtine.

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Unification : Gluck et Mozart

Bien que les styles d'opéra séparés se poursuivent jusqu'au XIXe siècle, c'est vers le milieu du 18^esiècle lorsque des réformes ont commencé à se produire qui verraient l'opera seria perdre sa structure hiérarchique. Christophe Willibald Gluck a fait de fortes réformes qui ont réduit l'indulgence des chanteurs, augmenté la taille et le rôle de l'orchestre et réuni plus d'éléments de musique, de danse, de théâtre et de théâtre dans des œuvres telles que Orphée et Eurydice (1762). Il souhaitait, comme indiqué dans son Préface à Alceste , pour supprimer tous les abus, introduits soit par la fausse vanité des chanteurs, soit par la trop grande complaisance des compositeurs, qui ont si longtemps défiguré l'opéra italien et fait du plus splendide et du plus beau des spectacles le plus ridicule et le plus ennuyeux.

Une nouvelle génération de compositeurs a commencé à écrire de nouveaux opéras qui impliquaient de grands exploits musicaux ainsi que de grands éléments dramatiques et humoristiques. L'un de ces compositeurs était Wolfgang Amadeus Mozart . Bien qu'il ait commencé comme compositeur d'opéra seria de ses trois plus grands opéras, Le mariage de Figaro , Don Ginovanni et La flûte magique , les deux premiers sont classés comme opéras comiques, bien que cela ne limite pas leur impact émotionnel et dramatique. Jessica Waldoff soutient que chacun occupe une place particulière dans le catalogue de Mozart, avec Figaro célébrée comme sa plus grande œuvre lyrique, Flûte enchantée étant sa pièce de théâtre la plus noble et concluant qu'aucun opéra ne rivalise Don Gionvanni pour son influence sur l'histoire des idées. La scène finale, dans laquelle le libertin refuse une dernière chance de se repentir, a inspiré de nombreux écrivains et philosophes.

Giuseppe Verdi

L'âge d'or : le XIXe siècle

Le XIXe siècle a vu plusieurs développements dans l'opéra, le premier notable étant le Grand Opéra qui s'est répandu à partir de Paris et la tradition de l'opéra français qui s'est développée séparément des styles de l'Italie et de l'Allemagne. Cela comportait des œuvres plus longues (entre quatre et cinq actes), des distributions et des orchestres plus importants, ainsi que des scénographies et des effets somptueux et éblouissants. L'un des compositeurs éminents de cette époque était Giacomo Meyerbeer , qui, avec sa formation orchestrale allemande et sa maîtrise du style de chant italien, a pu produire le grand style dont ils rêvaient à Paris. Le milieu du XIXe siècle a vu l'ascension de deux des plus grands compositeurs d'opéra, Richard Wagner et Giuseppe Verdi . Bien que leurs styles et leurs motivations soient différents, ils croyaient eux aussi à la place du spectacle et de la musique. Les premières aventures lyriques de Wagner ont été fortement influencées par Meyerbeer. En fait, son premier opéra à succès, Rienzi (1842), a été fortement soutenue par Meyerbeer. Cependant, au cours de ses luttes personnelles et artistiques, Wagner a acquis un mépris pour «l'opéra». C'était fastueux, brillant et criard, joué dans des théâtres décadents qui encourageaient la débauche chez ses auditeurs et le «talent» sur scène. Il a trouvé que cela diminuait l'intrigue et le personnage au profit de la musique et du spectacle. Quiconque a déjà écouté Wagner se rend compte qu'il n'était opposé à aucun de ces deux éléments, mais il accordait également une grande importance aux autres éléments, essayant de parvenir à une synthèse entre les différentes formes d'art. Il souhaitait créer le Oeuvre d'art totale , l'œuvre d'art totale, allant jusqu'à construire un théâtre dédié à ses œuvres et à redéfinir les limites de la tonalité. Son accomplissement le plus proche de cet idéal était avec son cycle épique L'Anneau du Nibelung (1869-1876) Le style de Verdi était beaucoup plus égalitaire. Bien que ses œuvres soient devenues fortement liées à la Risorgimento (la montée du nationalisme italien et la réunification), il était moins révolutionnaire, tant dans sa politique que dans son art. Plutôt que de retravailler la base de la musique et de l'opéra comme Wagner, Verdi a travaillé avec et développé les styles existants, créant une grande variété d'œuvres, y compris ses opéras très appréciés comme Nabucco (1841) et Rigoletto (1851), mais aussi un requiem acclamé et de nombreuses œuvres inspirées de Shakespeare.

Le mythe autour Nabucoo était qu'il a été composé comme un thème pour unifier le peuple italien et que lors de sa création, le public a appelé avec enthousiasme un rappel du chœur Va, pensiero, dans lequel les Israélites exilés aspiraient à leur patrie. Les rappels étaient interdits par mandat des autorités austro-hongroises qui dirigeaient le nord de l'Italie à l'époque, donc un rappel de cette section avait un grand poids politique. Cependant, bien qu'un rappel ait été demandé, c'était pour en fait pour Immense Jéhovah , un hymne de remerciement des Juifs à Dieu. L'importance de l'opéra et de Verdi avec le Risorgimento a depuis été réaffecté, cependant, cela ne diminue en rien le pouvoir et la contribution de Verdi à l'art de l'opéra.

Salle. Un intérieur de théâtre d'opéra. Odessa , Ukraine

Opéra : l'oeuvre complète ?

Quand les gens pensent à musique classique , l'opéra est considéré comme une catégorie à part entière. Je suis sûr que nous connaissons tous des gens qui aiment les symphonies, les sonates et les concertos mais qui ont une indifférence ou même une aversion pour l'opéra. Et de même, les amateurs d'opéra se retrouvent lésés lorsqu'ils écoutent autre chose. En fin de compte, c'est une chose d'amour ou de haine, mais ce qui serait dommage, c'est que les gens qui le détestent ne lui donnent jamais vraiment une chance. Alors, chers lecteurs, si vous êtes du côté du dédain, essayez de faire l'expérience de l'opéra une fois de plus, juste pour être sûr. Je n'utiliserai pas la platitude selon laquelle votre vie sera incomplète sans elle, mais ne vous privez d'aucune des réalisations artistiques de l'humanité en raison de quelques mauvais enregistrements ou productions caricaturales. Si vous aimez la musique, pourquoi ne pas ajouter un petit spectacle ?

Lecture recommandée:

La naissance d'un opéra, Michael Rose

Ouvrages cités:

Christoph Willibald Gluck, Préface à Alceste, de Alceste (Musique). Cassell : New York, 1988. Howard Goodall, Big bangs : l'histoire de cinq découvertes qui changent l'histoire de la musique . Londres : Vintage, 2001. Marianne McDonald, The Dramatic Legacy of Myth : Oedipus in Opera, Radio, Television and Film, de Marianne McDonald et J. Michael Walton, eds., The Cambridge Companion to Greek and Roman Theatre . Cambridge : Cambridge University Press, 2007. Jessica Waldoff, Don Giovanni : Recognition Denied, de Mary Hunter et James Webster, eds., Opera Buffa dans la Vienne de Mozart . Cambridge : Cambridge University Press, 1997.