The Choir Primer - L'unité de plusieurs

Le corps humain est le plus ancien instrument de musique. Le claquement des mains, le tapotement des pieds - tous produisent du son et, lorsqu'ils sont associés à l'intentionnalité, le pouvoir des esprits d'être, de représenter ou de défendre des choses, des propriétés et des états de choses, sont capables de représentation, par mimétisme , rythme et répétition. Mais plus grande encore que les membres est la voix humaine, capable de sons aussi banals que la toux, le bâillement et le claquement, à des sons plus étonnants, comme le sifflement, la parole et, pour les besoins de cet article, le chant.

Table des matièresDévelopperEffondrement

Origines antiques
Musique de chant
Unification
Polyphonie ancienne
L'âge d'or de la polyphonie
L'ère de la pratique courante
Exemples modernes
Plus d'une voix
Références:

On ne peut pas déterminer avec certitude quand la musique a commencé, et certainement pas à quoi ressemblait cette musique. La meilleure théorie est qu'il s'agissait de musique vocale et percussive, indiquée par le fait que ces deux éléments existent dans les traditions folkloriques du monde entier.
La variante de la musique vocale dans le monde de la musique occidentale serait impossible à discuter pleinement dans une thèse, encore moins un article de 3 000 mots, et donc, par souci de brièveté, nous nous concentrerons sur un type de musique vocale qui a trouvé de l'importance dans le monde occidental : le Chœur. Enregistré pour la première fois dans la Grèce antique, il est resté un incontournable du canon occidental à ce jour. C'est une tradition qui implique que de nombreuses voix diverses se réunissent pour chanter comme une seule, avec différentes couleurs vocales réunies à maintes reprises, souhaitant se libérer et donner la parole à leurs propres tonalités uniques.
Chœur et chœur sont à peu près des termes synonymes. Les deux désignent un corps de chanteurs qui se produisent ensemble en tant que groupe. La différence vient du lieu. Un chœur chanterait dans une église ou, traditionnellement, comme son nom l'indique, du chœur (ou cahier), une partie d'une église qui fournit des sièges au clergé ou au chœur. Le chœur se produirait dans un théâtre ou une salle de concert.
Bien qu'à l'origine, en tant que forme composée presque exclusivement de chanteurs, d'autres instruments se sont ajoutés, en particulier à partir de la période baroque.

Origines antiques

Les Grecs ne possédaient pas le monopole de la musique, et ils n'ont pas non plus enregistré la première musique dans la notation d'aujourd'hui. L'Inde ancienne, l'Egypte, la Chine et la Mésopotamie avaient toutes des systèmes musicaux. En fait, la plus ancienne musique enregistrée par écrit est mésopotamienne (West, 1994). Cependant, les Grecs, autant que nous pouvons le reconnaître d'après l'archéologie, ont été les premiers à mettre l'accent et à créer une notion de chant en groupe, en chœur. Le chœur extrapolant les thèmes et les émotions des principaux acteurs est le plus célèbre associé au théâtre grec. Même celui d'Homère L'Iliade aurait été exécuté de cette manière, bien qu'aucune notation enregistrée n'existe.
Cependant, quelques exemples existent. On pense que celle-ci est la plus ancienne composition dont nous connaissons le nom du compositeur, les Delphic Hymms.

Ce que vous remarquerez, c'est que les œuvres sont monophoniques ; c'est une seule ligne musicale chantée par tous les individus. Bien que Opéra était un effort conscient pour réinventer le théâtre grec, le chœur était un artefact qui avait été transmis à travers les générations. Le tournant de la musique antique de la Grèce et de Rome se trouve dans l'hymne d'Oxyrhynchus, datant du 3ème siècle après JC. Voici un arrangement moderne, bien qu'il ne diffère pas beaucoup de la partition originale.

Le texte, en grec, est une interprétation poétique du silence pour la Sainte Trinité, et est donc l'un des derniers exemples de musique de chœur antique, mais l'un des premiers morceaux trouvés de musique liturgique chrétienne, qui développerait le chœur à de nouveaux niveaux.

Musique de chant

La musique de chant (parfois appelée chant monophonique ou plain, et parfois à tort comme chant grégorien) telle qu'elle serait reconnue aujourd'hui, a commencé à l'époque de saint Ambroise au 4ème siècle. Ce style de chant est - à juste titre - appelé chant ambrosien, bien qu'il soit parfois appelé chant antiphonal. Cela est dû à sa méthode d'exécution par appel et réponse (anti-contre et son phony ; en gros, son contre son). Le chœur était souvent divisé en deux, chaque moitié chantant une section, l'autre chantant en réponse. Le chant grégorien, qui est un style de chant distinct créé vers 900 après JC, n'a pas ce style distinct d'appel et de réponse. Voici des exemples des deux styles faisant le kyrie.

Bien que le chant grégorien et ambrosien soient les permutations les plus célèbres de ce style, l'histoire complète du chant monophonique est beaucoup plus riche, avec des développements qui se produisent à travers l'Europe. Ces développements étaient locaux, basés sur des liturgies locales, et ainsi, différentes régions ont produit différents styles de chant.
Un style qui existe encore et qui est nettement différent est le chant mozarabe du Portugal et de l'Espagne. Ce qui caractérise ce style, ce sont les inflexions microtonales qui donnent à la pièce une touche orientale. Écoutez cette interprétation de la même partie de la messe que nous avons entendue en chant grégorien et ambrosien auparavant :

https://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg

Ceux qui ont une connaissance de l'histoire de la péninsule ibérique réalisent très probablement la raison de cette variation particulière : Al-Andalus, également connue sous le nom d'Iberia islamique, qui a duré de 711 à 1492, qui, à son apogée, régnait sur une grande partie de ce qui est aujourd'hui l'Espagne et le Portugal. De la même manière que les églises avaient adopté des éléments architecturaux islamiques, la musique aussi, avec des inflexions microtonales plus caractéristiques de la musique classique du Moyen-Orient ou de l'Inde que de la tradition modale occidentale.

Unification

Bien qu'il y ait eu de nombreuses traditions riches se développant à travers l'Europe, celles qui ont pris de l'importance dans l'Église avaient un objectif différent : la standardisation. Les tentatives furent faites par Pépin III le Bref, et se poursuivirent jusqu'à leur accomplissement au temps de Charlemagne. Ce n'était pas seulement avec le chant, mais la messe et la liturgie. Le résultat fut le chant grégorien, dérivé du mélange des styles de chant des deux principaux centres européens : Rome, le centre de l'église, et Paris, le centre politique. Cela est venu remplacer presque toutes les formes locales de chant. Là encore, écoutez Gloire , mais fait comme le chant grégorien.

En 900 après JC, il y avait suffisamment de notation pour que la musique devienne entièrement standardisée. Certains styles régionaux sont restés, comme le style mozarbique, malgré l'insistance assez stricte de l'église pour que la forme standardisée soit adoptée. Charlemagne a été nommé surveillant officiel de la diffusion du style et a empêché les styles régionaux de se développer. C'est pourquoi, malgré la riche histoire du chant monophonique régional, il ne reste qu'une poignée de styles et le chant grégorien est considéré comme synonyme de chant monophonique.

Polyphonie ancienne

Après plusieurs siècles de monophonie, d'autres voix se sont ajoutées. Ce à quoi l'Église ne s'attendait pas, c'est que, dans cette nouvelle forme standardisée, des voix individuelles ont commencé à se développer.
Peu à peu, plus de lignes ont été introduites dans la musique. Organum est un plain-chant où au moins une autre ligne vocale est ajoutée pour augmenter l'harmonie de la musique. Mais ce n'était pas « l'harmonie » au sens où on l'entend aujourd'hui. Le premier exemple d'Organum impliquait un plain-chant grégorien, avec une deuxième voix chantant la même mélodie, transposée soit par une quarte, soit par une quinte. La tierce, qui est la pierre angulaire de l'harmonie tonale, était considérée comme un intervalle dissonant, c'est-à-dire un intervalle instable, nécessitant la solidité d'une quarte, d'une quinte ou de l'unisson.
Une fois de plus, différentes régions ont expérimenté différentes approches de l'organum. Chacun a apporté quelque chose. Bien que l'organum le plus célèbre et le plus significatif sur le plan stylistique ultérieur ait été l'organum fleuri de St Martial et la célèbre école Notre-Dame, l'organum anglais, en privilégiant l'intervalle de la tierce, serait la voie par laquelle la musique modale conduirait à des musiques majeures. /tonalité mineure et harmonie.
Bien qu'il ait créé de nombreuses formes musicales, celle qui démontre grandement la transition entre la musique médiévale et la musique de la Renaissance est le motet. Dans le motet médiéval est né de l'organum, en particulier celui de Léonin et Pérotin . L'idée de base est qu'il existe un chanson ferme , un fragment d'une mélodie de plain-chant, au-dessus duquel un laissez-les apprendre , ou contre-mélodie, se déplacerait dans un mouvement contraire. C'est ici que le contrepoint (développé du latin point contre point , ou point contre point) a commencé. La caractéristique de Léonin était de faire bouger les deux mélodies dans des modes rythmiques différents. Par exemple, il ferait bouger le discant en mode 2 (deux temps longs) et le chanson ferme dans le premier mode (un long, un court). Cela a créé un son de voix indépendantes qui s'opposaient. C'est ce que l'on appelle aujourd'hui le rythme modal, avec ces schémas irréguliers appliqués régulièrement comme outil d'organisation. Cette technique unificatrice permet aux compositeurs d'être plus libres et plus audacieux dans d'autres catégories, comme le prouvera Pérotin, successeur de Léonin. Écoutez cet exemple d'un Tous ont vu de Léonin, puis quatre parties une de Pérotin.

Le travail de Pérotin était fortement basé sur Léonin. Il ne s'agit pas de considérer Pérotin comme un simple copieur ou élaborateur. Ses développements ont été importants pour le développement de la musique chorale, en particulier son ajout d'encore plus de voix. Là où Léonin composait à deux voix, Pérotin en utilisait quatre, une caractéristique essentielle qui sera vitale dans la musique des générations suivantes. Grâce à son étude et à l'adoption des rythmes modaux de Léonin, Pérotin a trouvé des moyens d'introduire plus de voix, de créer un son plus riche et une texture plus pleine qui seraient la marque de fabrique de la prochaine génération de musique et de compositeurs.

L'âge d'or de la polyphonie

Les techniques plus riches annoncées par Léonin et Pérotin caractériseront l'âge d'or de la polyphonie. Comme auparavant, la structure des parties de la messe catholique a fourni l'organisation principale de la musique. Cela convient car c'est aussi l'implication des églises qui a vu comment la musique allait se développer. La Contre-Réforme et le Concile de Trente ont été particulièrement vitaux. Deux sessions du Concile ont porté sur la musique polyphonique dans l'Église catholique. Le premier concernait le contrafactum, la substitution de textes avec peu de changement à la musique, où les chansons populaires seraient prises et utilisées en masse, avec un texte religieux ajouté. Celles-ci ne seraient pas de pures copies de la musique, mais agiraient comme un cantos firmus autour duquel s'organiserait la musique de messe.
Le deuxième problème concernait la polyphonie en tant que forme en soi et la préoccupation que les imitations rendaient impossible pour les gens de discerner tous les mots importants, les textes sacrés si importants pour la masse. Certains pensaient qu'il fallait l'interdire purement et simplement, publiant des textes à cet effet. D'autres étaient moins extrêmes, même s'ils croyaient qu'il serait important que la musique contienne un fort élément de clarté. Voici le Kyrie d'une messe célèbre, pour que vous puissiez juger par vous-même si la musique en est capable.

La légende raconte que Giovanni Pierluigi de Palestrina entendu parler de ces débats et des rumeurs d'interdiction de la polyphonie dans l'église et qu'il cherchait à réformer la musique pour qu'elle soit claire, tout en conservant les riches textures de la forme. Il a composé le Messe du Pape Marcellus , ou la messe du pape Marcellus. L'histoire raconte qu'en l'entendant, le cardinal Carlo Borromeo fut convaincu non seulement que la polyphonie pouvait être un intelligible pour la messe, mais qu'interdire cette belle musique serait un péché. Bien que certains textes subsistent de cette époque, prétendant que c'est la messe de Palestrina qui a fait voir aux autorités le potentiel du style, il est contesté dans quelle mesure les réalités de l'histoire sont réellement liées.

L'ère de la pratique courante

Avec l'essor de la musique instrumentale et de la musique profane comme styles prédominants, la tradition de la musique vocale s'est poursuivie sous une forme en sourdine. Quand il a été revisité, c'était avec un accompagnement instrumental important. Plusieurs exemples existent dans les époques baroque, classique et romantique, de W.A. Mozart et Berlioz les célèbres requiems, àBeethovenl'utilisation triomphale du chœur dans son Neuvième Symphonie. Mais deux exemples, relativement précoces dans l'ère de la pratique courante de l'harmonie tonale, sont peut-être les plus remarquables.
Le premier a déjà été évoqué dans unarticle précédent. J.S. Bach , désormais considéré comme le plus accompli de tous les compositeurs de musique savante, était, de son vivant, mieux connu comme expert de l'orgue que comme compositeur. Cela lui a peut-être permis d'explorer des idées musicales dans ses œuvres qui n'étaient pas nécessaires pour concurrencer le marché musical concurrentiel nouvellement formé qui s'est avéré être une réalité pour son fils. C.P.E Bach , et Mozart, et les générations suivantes. La principale différence avec la musique chorale baroque est qu'elle place un accompagnement instrumental à côté du chœur. L'adoption de la tonalité a rendu cela possible car la centralité de la tonique en tant que technique d'organisation signifiait que vous pouviez avoir le chœur exécutant toujours la riche imitation de la polyphonie tout en ayant une forte base harmonique. Dans les exemples précédents, l'imitation a fourni cette cohésion.
Bach était exceptionnel dans ce domaine, et a vraiment exploré les possibilités de mélanger ces deux éléments. Un bon exemple sont les chœurs de la Passion selon saint Jean.

Bien que Bach soit considéré comme le maître de cette époque, il était George Frideric Haendel (né sous le nom de Georg Friederich Händel) qui a composé la pièce la plus célèbre pour utiliser le chœur : Le Messie. L'une des principales caractéristiques de l'œuvre de Händel est la retenue orchestrale. Il aide les voix plutôt que d'essayer de les concurrencer. Bien que l'œuvre possède des sections entièrement instrumentales, commençant par des instruments lents et calmes, menant à une douce introduction des voix.

Un autre élément à noter est le fait que, bien que bien dans l'ère de la musique tonale, le Messie ne possède pas de clé tonale. Cependant, Anthony Hicks nous dit qu'il a une aspiration au ré majeur, avec plusieurs sections clés, notamment les mouvements de «trompette» triomphants et la fin. De plus, Rudolph Steglich accorde une grande importance à la quarte ascendante tout au long de l'œuvre en tant que dispositif unificateur. Bien qu'il y ait une certaine controverse quant à savoir si l'un ou l'autre est le cas, d'autres attribuant l'unité à la diligence de Händel à son texte et à la cohérence de son imagination, cela montre qu'il a cette ambiguïté tonale, due en partie aux premières œuvres chorales.

George Friederich Haendel

Exemples modernes

Avec l'avènement du minimalisme, plusieurs compositeurs ont adopté les techniques dans la musique chorale. Arvo Pärt, avec John Tavener et Henryk Górecki, ont été surnommés les Saints Minimalistes. Pärt est, comme l'a déclaré le minimaliste Steve Reich, complètement en décalage avec l'air du temps et pourtant il est extrêmement populaire, ce qui est tellement inspirant. Sa musique répond à un besoin humain profond qui n'a rien à voir avec la mode. Le témoignage de l'intérêt croissant pour son travail est qu'il a reçu un Grammy pour son travail de 2009 La complainte d'Adam , plus tôt cette année. Mais ce qui distingue les œuvres de Pärt, c'est sa technique du tintinnabuli. Cette technique divise le chœur en deux voix: l'une arpège la triade (la tonique, la tierce et la quinte de la gamme), tandis que l'autre voix se déplace pas à pas le long de la gamme diatonique de l'accord esquissé. Cette technique n'est pas exclusive à la musique chorale et a été largement utilisée dans son travail instrumental, notamment miroir je Spiegel . Mais il prend une certaine pertinence lorsqu'il est exécuté par un chœur, car la technique a été développée par Pärt en réponse à ses expériences mystiques avec la musique de chant.

http://www.youtube.com/watch?v=1A6BfyhFSVQ

Son travail, Magnificat, est peut-être l'exemple le plus pertinent, et est considéré par le biographe de Pärt, Paul Hiller, pour montrer la technique du tintinnabuli dans sa forme la plus souple et la plus raffinée. De plus, il introduit d'autres techniques utilisées dans la musique de chant, telles que les drones qui, selon Hiller, renforcent le sentiment d'intemporalité ou de présent continu que l'on retrouve souvent dans l'œuvre de Pärt.

De la musique chorale moderne, György Ligeti' s Requiem est peut-être le plus célèbre. Je suis sûr que nous avons tous entendu celui-ci:

La renommée de Ligeti doit beaucoup à l'utilisation intensive de sa musique dans des films tels que 2001 : L'Odyssée de l'Espace, et plus récemment la scène parachutiste en Godzilla. C'est son Requiem qui a retenu l'attention, mais il a composé de nombreuses œuvres vocales. Mais prétendre que c'est la seule raison serait trompeur.
La force de la musique de Ligeti réside dans la texture. Une grande partie de la musique, en particulier la musique chorale, se concentre sur la mélodie, une séquence clairement articulée que l'oreille suit. Comme indiqué précédemment, comme la musique chorale est modale, elle repose sur des mélodies fonctionnant soit en conjonction avec, soit contre d'autres mélodies, devenant parfois entrelacées et indiscernables, créant une texture riche. Ligeti le fait de manière extrême. Il renonce entièrement à l'idée d'une mélodie distincte, se concentrant plutôt sur la texture de nombreuses voix. La technique de composition qu'il utilise pour y parvenir est la micropolyphonie. Comme son nom l'indique, c'est un exemple de nombreux canons très petits et incroyablement denses qui sonnent tous les uns contre les autres. L'effet, comme le révèle Cope, est le son d'accords groupés, mais le mouvement des différentes lignes crée une simultanéité de lignes, de rythmes et de timbres différents. C'est un exemple extrême de polyphonie, où toutes les voix chantent apparemment les unes contre les autres, mais créent en réalité un son riche, beau et obsédant.
C'est ce qui rend les conclusions si intéressantes de Ligeti et Pärt dans cet article. Dans les deux cas, la texture est prédominante, mais leur approche diffère énormément. Ligeti crée des lignes riches et denses qui rappellent certaines des polyphonies les plus riches musicalement de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance, et avec Pärt se concentrant sur le récit, créant une œuvre tout aussi riche et luxuriante. Pärt et Ligeti font écho à l'histoire de la musique chorale dans leurs œuvres, tout en créant des ajouts uniques.

Plus d'une voix

L'histoire et la variété de la musique chorale sont vastes et diverses, et cet article vous présente un petit nombre d'œuvres et de compositeurs qui ont créé de la musique dans cette tradition. Appréciez ces exemples, mais s'il vous plaît, recherchez d'autres musiques, d'autres pionniers comme Guillaume Dufay , Josquin des Prez , Guillaume Byrd , et Thomas Tallis , aux compositeurs baroques comme Claudio Monteverdi et Henri Purcell , aux compositeurs modernes comme Ralph Vaughan Williams et Benjamin Britten . La tradition est bien plus riche qu'une seule voix.