Architecture baroque - Une promenade à travers les époques - XVIe - XVIIIe siècle

Bienvenue dans le quatrième article de notre série : Architecture –Une balade à travers les époques. Nous continuons notre série avec l'architecture baroque comme prochain sujet - indéniablement le plus grand et le plus somptueux des styles classiques.

Table des matièresDévelopperEffondrement

1. 1. Baroque romain
2. 2. Baroque français
3. 3. Début du baroque anglais
4. 4. Le baroque anglais ultérieur
5. 5. Baroque d'Europe du Nord et centrale
6. 6. Rococo

Pour établir la cause du virage de l'Europe vers l'exubérance artistique face au style Renaissance établi, nous devons nous rappeler certains événements religieux et géopolitiques qui ont plongé l'Europe centrale dans plus d'un siècle d'agitation et de dévastation.

Tout au long du XVe siècle, l'Église catholique romaine s'est vue, ainsi que son statut de seule détentrice des clés du salut, affaiblie par des disputes motivées par des motifs plus profanes. Les principaux défis sont venus du schisme occidental, qui a montré sa curie corrompue, et des nouvelles idées de la Renaissance qui ont amené les gens à remettre en question certaines des valeurs fondamentales qui déterminaient leur vie quotidienne.

La foi dans la papauté ébranlée, un désaccord théologique croissant a pris de l'ampleur, ce qui a finalement conduit au schisme au sein du christianisme occidental. Connu sous le nom de Réforme protestante, ce mouvement est lié à jamais à la date du 31 octobre 1517. Ce jour-là, Martin Luther a affiché ses quatre-vingt-quinze thèses sur le portail principal de l'église All Saints à Wittenberg.

Ses reproches les plus cruciaux étaient la vente d'indulgences, car Luther niait l'autorité présumée du pape sur le purgatoire et soutenait que l'Évangile ne fournissait pas de fondement théologique à la doctrine catholique des mérites des saints.

L'Église catholique romaine, très consciente que son influence et ses pouvoirs étaient désormais gravement menacés, a répondu par une Contre-Réforme initiée par le Concile de Trente (1545 - 1563). À Trente, l'Église a formellement reconnu qu'une réforme intérieure était indéniablement nécessaire, mais d'un autre côté a déterminé que la lutte contre le protestantisme et ses dirigeants - Martin Luther, Jean Calvin et Huldrych Zwingli - était la plus importante.

LTR Portraits de Martin Luther, Johannes Calvin, Huldrych Zwingli et le pape Paul III

Dans ce but précis, un nouvel ordre appelé la Compagnie de Jésus (Jésuites) fut institué par le pape Paul III en 1540. Leur charte incluait le vœu d'obéissance : afin que nous soyons tous du même avis et en conformité... si [la Sainte Voir de l'Église universelle (Église catholique romaine)] aura défini comme étant noir tout ce qui à nos yeux semble être blanc, nous devons de la même manière le prononcer comme étant noir. Les Jésuites ont donné le ton de la férocité avec laquelle ce combat pour les justes croyances allait être mené.

En fin de compte, l'Europe du Nord, à l'exception de la majeure partie de l'Irlande, est passée sous l'influence du protestantisme, tandis que l'Europe du Sud est restée catholique romaine. L'Europe centrale, le dominion du Saint Empire romain germanique de la nation allemande, a été le théâtre d'un conflit féroce, culminant avec la guerre de quatre-vingts ans (1568-1648) et la guerre de trente ans (1618-1648), qui l'ont laissée massivement dévastée après la fin des hostilités avec la paix de Westphalie en 1648.

Toutes ces confrontations et luttes ont abouti à un paysage social, religieux et politique diversifié dans l'Europe des XVIIe et XVIIIe siècles. Les unes à côté des autres existaient des principautés et des monarchies absolutistes - comme le Royaume de France sous le règne de la Maison de Bourbon - la République néerlandaise et des monarchies constitutionnelles comme le Royaume d'Angleterre (le Royaume de Grande-Bretagne après le 1er mai 1707) ; qui ont tous prospéré et développé leurs propres interprétations d'un nouveau style que nous connaissons maintenant sous le nom d'architecture baroque.

Un peu comme les noms des époques architecturales précédentes, la désignation baroque est venue des critiques du nouveau style. Ils ont comparé son excès de détails et sa déviation délibérée par rapport à la formalité claire et rationnelle de la Renaissance à la forme irrégulière des perles naturelles imparfaites. Le baroque est la translittération française de l'expression portugaise pérola barroca, qui signifie perle irrégulière.

On ne peut nier son opulence, ni le savoir-faire des artistes, mais les critiques ont déploré la perte de la grâce naturelle de l'architecture de la Renaissance.

1. Baroque romain

Alors que l'Église catholique se trouvait dans le besoin d'un moyen de manifester de manière proactive son influence et de retrouver les âmes perdues dans toute l'Europe, elle a porté une attention renouvelée à l'architecture de l'église, obligeant les nouvelles églises à faire appel autant aux émotions qu'à l'intellect des fidèles, les persuadant finalement d'avoir une confiance et une foi inconditionnelles dans l'Église catholique. Pour atteindre cet objectif, l'acte même d'approcher et d'entrer dans une église devait devenir davantage une expérience ; celui qui envelopperait les fidèles dans le symbolisme et le mystère catholiques.

Le résultat de ces exigences était un vocabulaire architectural qui permettait des conceptions très dynamiques, employant souvent un mélange de répétition, de rupture et de distorsion des motifs classiques de la Renaissance. En raison d'une manière presque ludique de gérer ces éléments abstraits ou exagérés - comme les frontons brisés, les ordres géants et les murs convexes et concaves - les architectes baroques ont pu exprimer leurs idées et styles très personnels à un degré jamais vu auparavant.

TLTR Façade et intérieur de l'église du Gesù ; Façade et intérieur de l'église Saint-Charles aux quatre fontaines BLTR Basilique Saint-Pierre avec façade baroque de Maderno ; Façade baroque du Bernin, Palazzo Barberini – tout Rome, Italie

La première structure à suivre cette nouvelle philosophie de conception et à rompre avec les traditions de la Renaissance consistant à suivre des formules strictes, tant dans la conception de l'extérieur que de l'intérieur, fut l'église du Gesù à Rome. Pas du tout par hasard, ce devait être l'église mère de l'ordre jésuite nouvellement fondé.

Conçu par Giacomo Barozzi da Vignola (1507-1573) et construit entre 1568 et 1584, il simplifiait avant tout le plan d'étage de l'église Renaissance. Vignola a enlevé le narthex et réduit le corps de l'église à une seule nef sans bas-côtés (bien que bordée de chapelles de chaque côté) pour attirer l'attention de la congrégation sur le maître-autel et finalement sur la fresque du plafond illusionniste de la nef, le grandiose Triomphe du Nom de Jésus par Giovanni Battista Gaulli (1639-1709).

En raison de la mort de Vignola en 1573, le dessin exécuté de la façade n'est pas le sien, mais celui de son élève Giacomo della Porta (1533-1602). Il est dominé par une plasticité toujours croissante vers son centre, des volutes géantes encadrant le niveau supérieur, l'utilisation de frontons brisés, ainsi que la combinaison idiosyncrasique d'un fronton arqué entourant un fronton triangulaire, résultant en un spectacle très vivant de conception et de décoration. .

Le Gesù étant l'église mère de la Compagnie de Jésus (jésuites), sa conception s'est rapidement répandue dans le monde entier, les jésuites agissant en tant que (re-)conquistadors religieux dans toute l'Europe et les Amériques. Curieusement, della Porta ne concevra plus jamais d'extérieurs aussi flamboyants que celui d'Il Gesù, ses créations ultérieures étant plutôt matures et subtiles; mais le précédent du nouveau style était maintenant solidement établi.

Au début du XVIIe siècle, la transformation de Rome en une ville véritablement catholique était bien engagée et l'architecture, la peinture et la sculpture joueraient un rôle important dans cette entreprise monumentale. Plusieurs des grands projets qui ont été lancés au début du XVIe siècle seront en fait achevés ou remodelés dans le nouveau style baroque. Le plus remarquable d'entre eux était la basilique Saint-Pierre, qui a été construite au cours de 120 ans et a documenté le passage de la haute Renaissance au maniérisme et enfin au baroque, à la fois dans les éléments de sa conception intérieure et extérieure.

Alors que Carlo Maderno (1556-1629) était limité par les dimensions, les proportions et les paramètres stylistiques en vigueur pour sa conception de la façade de la basilique Saint-Pierre, Francesco Borromini, lors de sa première commande indépendante, était libre d'exprimer pleinement l'idée de une façade illusionniste avec sa conception de l'église Saint-Charles aux Quatre Fontaines (San Carlo alle Quattro Fontane).

Considérée comme l'un des chefs-d'œuvre emblématiques de l'architecture baroque, cette petite église, avec une empreinte d'à peine 2500 pieds carrés, se définit par sa façade ondulante presque surréaliste de formes concaves et convexes et un intérieur tout aussi extraordinaire et complexe.

Naturellement, le style baroque n'était pas réservé aux structures ecclésiastiques. De nombreuses familles romaines ont fait remodeler leurs propres propriétés privées ou ont commandé des villas ou des palais entièrement nouveaux. Parmi les artistes les plus renommés employés figuraient Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) et Francesco Borromini (1599-1667), qui excellaient à unifier le style Renaissance précédent avec de nouveaux éléments baroques utilisant des loggias ouvertes, de grands escaliers et un accent général sur les entrées.

La maison baroque la plus célèbre de Rome était le Palazzo Barberini, qui a été commencé par Carlo Maderno alors qu'il travaillait sur la nef de la basilique Saint-Pierre. Après son décès, il a été terminé par Bernini et Borromini dans un bref effort conjoint.

Au milieu du XVIIe siècle, le style baroque avait atteint une maturité connue sous le nom de haut baroque et son influence s'est étendue au nord de Rome. L'un de ses principaux propagateurs est Guarino Guarini (1624-1683), qui s'installe à Turin et est considéré comme l'un des maîtres de ce style. En particulier, ses conceptions exécutées à Paris, Prague et Lisbonne, ainsi que ses ouvrages publiés sur la théorie et la conception architecturales, ont contribué à diffuser les idéaux baroques italiens à travers l'Europe au début du XVIIIe siècle.

T : Palazzo Carignano, Turin BLTR Gravure montrant le dessin de la façade de Sainte Anne-la-Royale, Paris, France (jamais achevée) ; Eau-forte montrant le design intérieur de Sainte Marie Notre Dame de la Divine Providence, Lisbonne, Portugal (détruite lors du tremblement de terre de 1755) ; Gravure montrant la conception de la façade de Sainte Marie d'Altötting, Prague, Czech-Republic

Convenant à son statut de berceau du baroque, l'Italie a également préparé le terrain pour le chant du cygne de l'art spectaculaire du baroque, à savoir le palais de Caserte dans le sud de l'Italie ; construit entre 1752 et la première moitié du XIXe siècle. Autrefois résidence royale construite pour la Maison de Bourbon-Deux-Siciles, le Palais de Caserte était l'une des plus grandes résidences royales du monde.

Façade principale du Palais Royal de Caserta, Caserta, Italie

2. Baroque français

Contrairement au changement de style drastique et réformiste de Rome, l'architecture française du XVIIe siècle a fait la transition entre la Renaissance et sa propre interprétation du baroque plus naturellement, bien que le moteur du changement ait été le même désir de réaffirmer la prétention au pouvoir de la parti au pouvoir - à savoir les monarques de la maison de Bourbon. Parmi leurs premières commandes figuraient un certain nombre de places et de places avec des statues du souverain destinées à abriter l'aristocratie dans tout Paris.

En 1605, les travaux de la première des cinq places royales parisiennes commencent et s'achèvent en 1612. Connue aujourd'hui sous le nom de place des Vosges, elle annonce l'idée d'une place résidentielle uniforme dominée par des façades de maisons toutes construites selon le même dessin. Au total, la place est bordée de 36 maisons de ville à trois étages reposant sur une arcade circonférentielle, toutes exécutées dans le style Brique-et-Pierre, qui se caractérise par la combinaison de briques, pierres de taille et toits couverts d'ardoise. Le seul léger écart par rapport à ce modèle a été trouvé dans le Pavillon du Roi et le Pavillon de la Reine au centre du côté sud, respectivement nord de la place, car ils reposent sur de plus grandes arcades pour faciliter l'accès à la place.

TLTR : Vue sur la Place des Vosges et le Pavillon de la Reine ; Vue des deux bâtiments flanquant l'entrée de la place Dauphine ; Vue sur la place de la Concorde avec l'obélisque de Louxor BLTR : Vue sur la place des Victoires et la statue de Louis XIV ; Vue de la Place Vendôme avec la Colonne Vendôme au centre – tout Paris, France

Comme Henri IV, premier des monarques Bourbons, était décédé en 1610, son fils Louis XIII devint roi de France et jeta les bases du plus important projet de construction baroque français, le château de Versailles. Par coïncidence, c'est un florentin naturalisé, Albert de Gondi, qui familiarise Louis XIII avec la campagne autour de Versailles, où il organise pour le roi de nombreuses parties de chasse. Louis XIII fut tellement séduit par le lieu qu'il ordonna la construction d'un pavillon de chasse en 1624. Le petit château fut conçu par Philibert Le Roy et exécuté dans le style populaire Brique-et-Pierre. Environ huit ans après son achèvement, Louis XIII rachète le domaine de Versailles à la famille Gondi pour pouvoir agrandir le site.

LTR Portraits d'Henri IV, Louis XIII, Louis XIV et Louis XV

Lorsque Louis XIII mourut finalement en 1643, Versailles fut hérité par son fils et successeur Louis XIV - à cette époque encore une simple résidence parmi d'autres. Par conséquent, il n'a été utilisé que comme résidence d'été par Louis XIV au début de son règne, mais cela était sur le point de changer car un autre grand projet de construction allait devenir le symbole d'un nouveau style connu aujourd'hui sous le nom d'Architecture Classique (baroque classique). .

En 1656, Nicolas Fouquet, ministre des Finances de Louis XIV, charge l'architecte Louis Le Vau (1612-1670) et le paysagiste André Le Nôtre (1613-1700) de construire un vaste domaine près de Melun en Île-de-France. A l'instar du Palais du Luxembourg (1615-1645) à Paris, Le Vau établit avec le Château de Vaux-le-Vicomte un style sobre et uniforme, caractérisé par la symétrie, la répétition et l'impression de solidité et de force. Son utilisation de motifs baroques typiques était limitée, mais en raison de leur répétition, restait visuellement proéminente.

Southern façade of Château de Vaux le Vicomte, Melun, France

Ainsi, en 1664, Louis XIV chargea Le Vau de reconstruire le château de Versailles pour répondre aux besoins de sa cour, et pour qu'il ait une demeure qui éclipserait de sa magnificence tous les autres palais de France.

Scindé en quatre grandes campagnes de construction sous le règne de Louis XIV, la première commençant en 1664 et la dernière se terminant en 1710, l'aménagement du château et des jardins de Versailles constitue à l'époque la plus importante activité de construction en France.

Dans le cadre des préparatifs d'une grande fête, connue sous le nom de Plaisirs de l’Île enchantée , la première campagne de construction (1664-1668) a entraîné de nombreuses modifications dans le château et les jardins pour fournir des logements supplémentaires aux invités de la cour.

La deuxième campagne, qui suivit de près la première (1669-1672), amena un changement majeur dans l'aspect du palais. Devant l'insistance de Louis XIV à conserver le pavillon de chasse comme cœur du palais en pleine croissance, Le Vau doit trouver une solution qui aboutisse à un ensemble fonctionnel et harmonieux. Il y est parvenu en entourant le pavillon de chasse au nord, à l'ouest et au sud d'un soi-disant enveloppe , qui est souvent appelé le château neuf (Nouveau Palais). Il offrait de nouveaux logements au roi et aux membres de sa famille, bien que les ailes nord et sud ne soient pas encore reliées par la galerie des glaces ; à la place, une grande terrasse permettait une vue surélevée sur les jardins.

En raison de sa mort en 1670, Louis Le Vau n'a pas été en mesure de superviser l'achèvement de la deuxième campagne de construction et Louis XIV a dû trouver un nouvel architecte de la cour. Finalement, Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) a été nommé au poste en 1675, lui-même l'un des architectes baroques français les plus renommés, avec son grand-oncle, François Mansart. Le toit mansardé, si caractéristique de l'architecture baroque, porte leur nom, bien qu'aucun des deux n'ait inventé ce type de toit. Cette réalisation appartient à Pierre Lescot, surtout connu pour son travail sur le palais du Louvre au milieu du XVIe siècle.

Avec un nouvel architecte de la cour en charge, la troisième campagne de construction débute en 1678. Cette campagne est la plus complète et donnera au palais une grande partie de son aspect définitif. En plus de la Galerie des Glaces précitée, Hardouin-Mansart ajoute les ailes nord et sud destinées à loger la noblesse et les princes de sang, ainsi que l'orangerie. Les travaux sont achevés en 1684.

Après une interruption de 15 ans, Hardouin-Mansart revient à Versailles et entame les travaux de construction de la chapelle royale dans le cadre de la quatrième et dernière campagne de construction sous le patronage de Louis XIV. Après le décès d'Hardouin-Mansart, les travaux sont achevés par Robert de Cotte (1656-1735). Avec l'achèvement de la chapelle et tous les travaux de remaniement intérieur en 1710, les activités de construction à Versailles cessèrent pendant 21 ans.

Versailles comme pavillon de chasse en 1652 et après les campagnes de 1664 – 1669 – 1678 – 1699

En raison de l'implication des plus grands architectes et artistes de l'époque, Versailles n'a pas seulement influencé le cours de l'architecture française, mais la plupart de l'architecture européenne jusqu'au XVIIIe siècle.

Le résultat le plus immédiat du style et de la splendeur établis par le château de Versailles a été le développement de l'hôtel particulier, une villa urbaine privée qui imitait l'aménagement du palais à une échelle miniature. Un ensemble en forme de U qui permettait entre cour et jardin pour arriver soit par la cour d'honneur, qui ferait face à une route, soit par le jardin à l'arrière du cadavre de logis.

L'un des hôtels particuliers les plus admirés au moment de son achèvement en 1772 était l'Hôtel d'Évreux, qui deviendra tristement célèbre en tant que résidence parisienne de la maîtresse marquise de Pompadour, offerte en cadeau par Louis XV. Cela a donné le ton à son histoire variée jusqu'à aujourd'hui, mieux connue sous le nom de Palais de l'Élysée, résidence officielle du président de la République française.

Cour d’honneur of the Élysée Palace, Paris, France

3. Début du baroque anglais

Le début de la période anglaise de Barqoue a été annoncé par une catastrophe majeure : le grand incendie de Londres en 1666. Il a fait rage pendant quatre jours (2-5 septembre 1666) dans la ville médiévale de Londres à l'intérieur de l'ancien mur de la ville romaine, et a détruit 13 200 maisons, 87 églises paroissiales, la cathédrale Saint-Paul et la plupart des bâtiments de la mairie.

Mais comme toute grande catastrophe, l'incendie a été l'occasion de repartir à zéro et d'entamer un remodelage après les grands exemples baroques vus en France et en Italie. Certains des meilleurs architectes, cartographes et paysagistes ont soumis des plans qui auraient transformé Londres en une ville véritablement contemporaine structurée par des places, des avenues rayonnantes et des vues saisissantes. Malheureusement, ce plan ambitieux ne s'est jamais concrétisé en raison d'obstacles bureaucratiques insurmontables, et la ville a donc été reconstruite sur son ancien plan de rue médiéval légèrement modifié.

Plans LTR pour la reconstruction de la ville de Londres par Sir Christopher Wren et John Evelyn

Dans le cadre d'une série d'actes adoptés pour la reconstruction de la ville de Londres, une référence particulière a été donnée à la reconstruction de ses églises et cathédrales. Responsable de leur conception était le bureau de Sir Christopher Wren (1632-1723), l'arpenteur général, et son assistant en chef Robert Hooke (1635-1703). Parmi eux, ils partageaient une histoire personnelle de formation scientifique, mais aucun d'eux n'était un architecte de formation car il était courant d'être autodidacte dans ce domaine en Angleterre à l'époque.

LTR Portraits de Sir Christopher Wren et Robert Hooke

Néanmoins, grâce à de nombreux voyages à travers la France, Wren a acquis les connaissances et la compréhension nécessaires pour utiliser les techniques et les idéaux stylistiques du baroque classique français pour ses propres conceptions afin de surmonter les difficultés d'ériger des églises baroques dans les contraintes d'une ville médiévale. Souvent, ces solutions impliqueraient des distorsions et des adaptations ; un jeu intelligent avec la perspective.

LTR St. Edmund, King and Martyr, City of London; Saint-Martin, Ludgate ; St. Margaret, Lothbury - tout Londres

Son plus grand défi est venu avec la reconstruction de la cathédrale Saint-Paul. En tant qu'appel à l'Église anglicane, elle devait adhérer à la tradition liturgique anglaise et fournir aux fidèles une maison de Dieu reconnaissable. Ces exigences ont entraîné un certain nombre de conceptions rejetées, alors que Wren luttait pour consolider le design contemporain et les traditions anglicanes. Quand il a finalement reçu le mandat royal du roi Charles II pour sa quatrième proposition de conception en 1675, les travaux ont finalement commencé; bien qu'il faille noter que Wren n'avait guère l'intention de construire la conception approuvée.

LTR : conception initiale de la croix grecque de Wren pour la cathédrale Saint-Paul, inspirée du dôme des Invalides à Paris ; Le Grand Modèle de 1673 montrant l'évolution du plan d'étage en croix grecque de la première conception de Wren avec l'ajout d'une nef sur le côté ouest ; La conception du mandat approuvée par Charles II

Avant même que le mandat ne soit signé, il a déjà apporté plusieurs modifications au dessin, exploitant la concession du Roi qui lui a donné la liberté, dans la poursuite de son travail, de faire quelques variations, plutôt ornementales, qu'essentielles, car de temps en temps il faut voir bon…

Sa liberté de transformer Saint-Paul en ce qu'il envisageait d'être, avec son Grand modèle de 1673, a énormément grandi avec l'avènement de Jacques II en 1685, qui, comme l'un de ses premiers actes officiels, a augmenté le pourcentage des recettes fiscales sur le charbon. alloué à St Paul de plus de trois fois le montant existant.

Vues de l'ouest et du sud-est de la cathédrale Saint-Paul, Londres, Angleterre

Par conséquent, Saint-Paul peut reposer sur un plan longitudinal en croix latine gothique, avec une structure de nef et de bas-côtés très similaire à l'ancienne cathédrale Saint-Paul, mais l'église est habillée d'une grande coquille baroque anglaise et ornée d'un dôme à double coque. imitant celle de la cathédrale Saint-Pierre de Rome. En effet, il occupe une place légitime parmi les plus grandes structures ecclésiastiques de l'époque baroque.

4. Le baroque anglais ultérieur

Après la mort de Wren en 1723, une nouvelle génération d'architectes a émergé, dont certains sont même issus des rangs de ses anciens employés.

Nicholas Hawksmoor (1661-1736) avait été employé par Christopher Wren dès l'âge de 18 ans et l'avait assisté jusqu'en 1718. L'hôpital de Chelsea, la cathédrale Saint-Paul, le palais de Hampton Court et l'hôpital de Greenwich comptaient parmi les œuvres les plus renommées érigées à cette époque.

TTB Royal Hospital Chelsea, Chelsea, Londres, Angleterre ; Vue depuis le jardin privé vers la façade sud de Hampton Court, Grand Londres, Angleterre ; Vue de l'hôpital de Greenwich avec Inigo Jones's Queen's House dans le fond du centre, Greenwich, Londres, Angleterre

Plus tard dans sa vie, Hawksmoor a collaboré avec John Vanbrugh (1664-1726) sur un certain nombre de projets importants, dont le château Howard et le palais de Blenheim. Vanbrugh était un personnage plutôt infâme; dramaturge incarcéré pour espionnage à la Bastille et membre du Kit-Cat Club, il devient architecte à 35 ans.

LTR Easton Neston House, Towcester, Angleterre ; Immeuble Clarendon, Oxford, Angleterre; St. Alfege Greenwich, Londres, Angleterre; St.Mary, Woolnoth, Londres

Les œuvres de Hawksmoor et de Vanbrugh se caractérisent par un rejet progressif du baroque subtil de Wren dans le style du classicisme français, au profit d'un style plus audacieux et plus masculin dérivé du palladianisme d'Inigo Jones. L'idée même de masse et d'échelle est devenue la caractéristique la plus importante de leurs œuvres; l'ornementation de l'extérieur étant réduite au minimum. Cela a conduit à un vocabulaire de conception austère, mais résolument audacieux.

LTR Castle Howard, York, Angleterre; Palais de Blenheim, Woodstock, Angleterre ; Salle Seaton Delaval, Seaton Delaval, Angleterre

5. Baroque d'Europe du Nord et centrale

La propagation du baroque dans le nord et le centre de l'Europe a commencé dans la seconde moitié du XVIIe siècle et a été définie par la religion d'État et le système politique en vigueur. En conséquence, il y avait une influence du baroque romain ou du classicisme français au cœur de la plupart des projets de construction.

TLTR : Palais de Drottningholm, Drottningholm, Suède ; Palais du Belvédère supérieur, Vienne, Autriche ; Palais Zwinger, Dresde, Allemagne BLTR : Palais d'Hiver, Saint-Pétersbourg, Russie ; Nouveau Palais, Potsdam, Allemagne

Les villes catholiques européennes, en particulier, tenaient à imiter la plasticité sculpturale du baroque romain dans leurs commandes ecclésiastiques, tandis que la plupart des palais et résidences royaux étaient clairement influencés par l'exemple donné par Versailles.

TLTR : Intérieur de l'église Asam, Munich, Allemagne ; Abbaye de Melk, Melk, Autriche BLTR : Cathédrale de Murcie, Murcie, Espagne ; Intérieur de l'église Saint-Pierre et Saint-Paul, Vilnius, Lituanie

6. Rococo

Même si Versailles était considéré comme un phare de style et copié d'innombrables fois, il présentait un défaut particulier. Son ampleur et son objectif en tant qu'appareil gouvernemental public signifiaient que ce n'était pas une maison agréable à vivre.

Ce fait était le plus évident pour les architectes qui ont été chargés de développer les nombreuses maisons de ville et hôtels de la noblesse parisienne. Ainsi, des hommes comme Just-Auèle Meissonnier, Gilles-Marie Openordt, Nicolas Pineau ou Germain Boffrand ont développé des aménagements intérieurs qui embrassent l'échelle plus intime et mettent l'accent sur un agencement confortable des pièces. Ils ont concentré la décoration sur des schémas légers, frivoles et colorés, permettant souvent aux panneaux, aux cadres de porte, aux murs et au plafond d'une pièce de fusionner et de se dissoudre en une seule sphère d'encapsulation richement ornée.

Le terme rococo est une fois de plus originaire de la nature, avec le terme français rocaille étant un portemanteau des mots roc (rock) et coquille (shell).

CCW : Terrasses et façade sud du Palais de Sanssouci, Potsdam, Allemagne ; Plafond rocaille géant ornamanet, Palais de Sanssouci, Potsdam, Allemagne ; Extérieur rococo du palais Benrath, Düsseldorf, Allemagne ; Galerie des Glaces dans le pavillon Amalienburg au Palais Nymphenburg, Munich, Allemagne