4 grands noms du jazz : la vie et l'héritage d'une génération

Aujourd'hui, j'ai le plaisir de partager une contribution spéciale de G. Bruce Boyer, un gentleman de nombreux talents.

Table des matièresDévelopperEffondrement

Jimmy Forest
Johnny Hartmann
Ray Charles trouve sa voix
Un dernier mot sur Sinatra

Bruce Boyer

Ancienne rédactrice mode masculine pour Ville & Campagne , Écuyer , et GQ , M. Boyer a écrit plusieurs livres de mode pour hommes, dont Style Fred Astaire et Gary Cooper – Style durable . Il se trouve également qu'il est un passionné de jazz avec une compréhension unique des racines et de l'héritage des musiciens les plus éminents de l'industrie. Dans ce qui suit, M. Boyer partagera ses connaissances et sa passion pour les talents de Jimmy Forrest, Johnny Hartman, Ray Charles et Frank Sinatra.

Pour en savoir plus sur Jazz, veuillez également consulter notre article sur 30 albums de jazz que vous devez avoir écoutés .

Jimmy Forest

Il y a deux choses que vous devez comprendre. Premièrement, que le saxophone ténor était l'instrument de prédilection des musiciens de R&B, de rock et de jazz au milieu du XXe siècle. Ni la guitare, ni le piano, ni la trompette. Le sax ténor.

Et deuxièmement - et je déteste vraiment utiliser un mot trop utilisé ici, sauf qu'il s'applique vraiment - c'est que la chanson emblématique des trois genres musicaux était la même : le bluesy, entraînant, sensuel et urbain Night Train . La chanson a été écrite par un saxophoniste ténor, à une époque de saxophonistes incomparablement grands. Cet homme était Jimmy Forrest.

Jimmy Forest

L'agrégation de saxophonistes talentueux au milieu du siècle était stupéfiante. Il y avait Coleman Hawkins, leur père à tous et un musicien dont l'influence s'est étendue depuis le moment où il a fait son premier enregistrement avec les Hound Dogs de Mamie Smith en 1923 jusqu'à aujourd'hui ; et l'incroyablement branché et sensible Lester Young, qui aimait jouer derrière le rythme plutôt que de le pousser comme le faisait le Hawk, et que Billy Holiday considérait comme son meilleur accompagnateur. Ensuite, il y a eu Ben Webster, qui a joué une ballade comme personne d'autre, et Illinois Jacquet, dont les solos sur des numéros aussi fous que Flying Home n'ont jamais été battus.

Et après eux, mais toujours dans les années 50, sont venus Zoot Sims et Eddie Harris, et la merveilleuse école de honkers et de crieurs comme Earl Bostic (dont l'instrument d'accompagnement préféré était un vibraphone), Sil Austin et Red Prysock qui faisaient partie Bop, En partie rock et en partie swing, et John Coltrane, Sonny Rollins et Sonny Stitt, infiniment créatifs et complexes. Sans oublier Cannonball Adderley, qui a créé tant de genres et influencé le sien, et dont un de mes amis saxophonistes me dit qu'il y a toujours quelque chose à apprendre. En toute justice, la liste pourrait s'allonger sur certains des sidemen et musiciens de studio les plus artistiques qui aient jamais enregistré.

Et puis il y a Jimmy Forrest. Les musicologues, ainsi que les fans, ont toujours eu du mal à situer Forrest dans tel ou tel genre particulier, il semble avoir puisé ses influences et développé son style de partout. Il est né à Saint-Louis en 1920 et a continué à jouer apparemment avec tous les grands groupes de jazz, de Fate Marable et Jay McShann à Ellington et Basie. Au début des années 50, il avait son propre groupe, spécialisé dans les R&B rapides et les ballades bluesy. Il a écrit et enregistré l'emblématique Night Train en 1952. Ce fut un succès instantané, joué lors de concerts universitaires et comme arrière-plan pour les strip-teaseuses dans les maisons burlesques. En 1955, tous les groupes de lycées du pays avaient Night Train dans leur répertoire. Tard dans la soirée, il a été joué dans tous les clubs enfumés avec un groupe live à travers les États-Unis. C'était de la bonne musique de cabaret pour accompagner la solitude nocturne et le scotch.

Le style de Jimmy Forrest est un peu difficile à cerner car il semble comprendre tellement de choses et le mélange si bien. Il était passé par Swing and Bop, R&B et Rock 'n Roll. Il était parfaitement capable de prendre un vieil air folk comme Annie Laurie ou une châtaigne pop comme That’s All et de le faire pulser comme un accélérateur de particules. Ou il pourrait être décontracté, méditatif et lyrique. Sur des ballades comme Yesterdays ou These Foolish Things, il est aussi plaintivement soul que possible. Il pouvait danser avec le meilleur de la nouvelle école, mais il a toujours su que la mélodie était ce qu'était la vieille école, le tapotement des pieds, le jazz de la cuisine maison.

Le critique Joe Goldberg, dans ses notes de pochette pour l'album Out of the Forrest, a abordé cette question d'étiquetage et dit, je devrais appeler la musique roadhouse jazz de Jimmy Forrest. C'est un bon appel. Comme le critique Tom Wilson semble en convenir dans ses notes de pochette pour Most Much ! : Beaucoup de jeunes jazzmen super branchés d'aujourd'hui ont oublié que le jazz est censé stimuler émotionnellement autant qu'édifier intellectuellement. Jimmy Forrest est certainement capable de vous sortir de vos ennuis. Quelqu'un dit Amen !

Une sélection d'albums sans ordre particulier

Hors de la forêt, Prestige.

Le plus ! Prestige

Tout le gin est parti, Delmark

Train de nuit, Danemark

Forêt Noire, Delmark

Asseyez-vous et détendez-vous, Ojc

Et vous pouvez voir Jimmy Forrest en action sur la vidéo Last of the Blue Devils, qui se trouve également être la plus grande vidéo de jazz jamais réalisée.

Johnny Hartmann

Il était le chanteur préféré de John Coltrane et le chat le plus doux avec la voix la plus chaude qui ait jamais chanté. C'est juste qu'il ne semblait pas y avoir assez de place pour lui sur la scène musicale d'après-guerre. Il a dû se battre pour attirer l'attention avec Billy Eckstine et Nat Cole, sans parler de tous les crooners blancs qui se pressaient au micro. Sans oublier que les chanteurs afro-américains ne sont tout simplement pas passés au public blanc aussi facilement. Il y avait Nat King Cole, il y avait Billy Eckstine, et… eh bien, il y avait essentiellement Nat King Cole et Billy Eckstine. Ou y avait-il une autre raison pour laquelle Johnny Hartman ne pouvait pas faire de pause ? C'est un homme qui a besoin d'un biographe.

D'autant plus qu'aujourd'hui, il connaît une sorte de résurgence auprès des jeunes fans de chant jazz classique. La plupart de ses travaux sont disponibles sur CD. Mais pendant longtemps, si vous mentionniez le nom de Johnny Hartman, personne ne semblait savoir de qui diable vous parliez. Et il reste, comme le dit le critique A. B. Spellman dans l'une de ses notes de pochette, l'un des chanteurs les plus négligés de l'ère du middle bop. Et l'éminent écrivain de jazz Will Friedwald donne son vote d'autorité à Hartman lorsqu'il dit qu'il était l'un des plus grands interprètes de chansons d'amour qui ait jamais existé. Ça ne va pas beaucoup mieux que ça.

Johnny Hartmann

J'étais parmi la vaste foule qui ne savait rien de Hartman jusqu'à ce qu'un ami me tourne vers cette voix incroyablement douce, chaude et sensuellement ondulante qui a dû être fortement influencée à la fois par Eckstine et Sinatra. J'ai vite compris que l'album Coltrane-Hartman était l'une des plus grandes présentations de jazz jamais enregistrées. Leur interprétation – car il s'agit d'une collaboration – de la beauté saisissante de Lush Life est une œuvre d'art très prisée ; il est peu probable qu'il y ait jamais une meilleure version de cette chanson obsédante. Vous pouvez me faire confiance sur celui-ci.

Hartman est né à Chicago en 1923, la même année où la famille de Nathaniel Cole, âgée de quatre ans, a déménagé de Montgomery, en Alabama. Les deux hommes grandiront dans le Southside et étudieront le piano, puis chanteront. La route que Nat King Cole a empruntée était de former son trio de jazz et de faire sensation dans les petits clubs de la ville. Johnny a fait un passage dans l'armée, puis a commencé à travailler pour Earl Fatha Hines, puis Dizzy Gillespie. Il a coupé quelques côtés avec Erroll Garner. Finalement, il est sorti seul.

Il a fait des albums sporadiquement, un en 1947, un autre en 1965, a joué au Newport Jazz Festival en 1975 et a fait ses derniers enregistrements en 1980. La grande collaboration avec Coltrane – la seule fois où le John Coltrane Quartet a soutenu un chanteur à ma connaissance – s'est déroulée en une seule session d'enregistrement le 7 mars 1963, toutes les chansons sauf une réalisées en une seule prise. Il y a plus de sensibilité, plus de subtilité émotionnelle, plus de finesse musicale dans cette collection de chansons que n'importe quel album de ballades auquel je peux penser. Et cela inclut l'album In the Wee Small Hours de Sinatra, que j'ai toujours pensé être aussi bon que possible dans les ballades enregistrées.

Mais pendant une grande partie de sa carrière, Johnny Hartman n'a pas semblé réussir à percer le public des acheteurs de disques de masse. Il a passé plusieurs années à travailler en Angleterre. Lorsqu'il est finalement revenu aux États-Unis, il a enregistré avec plusieurs labels, des albums qui n'ont abouti à rien. Il semblait toujours se bagarrer, pour utiliser le mot de Friedwald pour l'activité. Johnny Hartman est décédé à New York en 1983. Mais son œuvre, bien qu'elle ne soit pas aussi vaste et prolifique que Cole ou Sinatra, n'est pas insignifiante et il n'a jamais fait de mauvais album. Comme Sinatra, il avait un goût impeccable et s'appuyait principalement sur le Classic American Songbook pour son matériel. Son chemin avec une ballade comme You are Too Beautiful, My One and Only Love, My Ship, ou sa version sublime de It Never Entered My Mind est tout simplement incomparablement cool. Quelle honte, pour lui et pour nous, qu'il n'ait jamais obtenu cette reconnaissance immédiate qu'il méritait tant.

Discographie

Inoubliable, Impulsion.

Pour Trane, Blue Note.

… Et j'ai pensé à toi, Fresh Sound Records.

La voix qui est !, Impulse.

Chansons du cœur, Bethléem.

Johnny Hartman et John Coltrane, Impulse.

Collection Johnny Hartman : 1947-1972, Hip-O.

Ray Charles trouve sa voix

En juin dernier, c'était le onzième anniversaire de la mort de Ray Charles, et j'ai encore du mal à réaliser qu'il n'y aura pas d'autre album à venir. Je me demande encore ce qu'il aurait pu faire avec certaines normes auxquelles il n'a jamais trouvé le temps de s'attaquer, ou quelle aurait été son approche de certaines choses plus récentes.

D'un autre côté, Charles était effectivement prolifique, et nous sommes tellement chanceux d'avoir ce que nous avons. Raconter ses réalisations serait un cas extrême de réaffirmer l'évidence. Mais ce qu'il vaut peut-être la peine de noter en cet anniversaire, c'est ce qu'il a fait de la musique telle qu'il l'a trouvée pour la première fois. Considérer quelques-unes des racines de Ray Charles.

En tant que jeune qui grandissait dans les années 50, je ne pensais pas trop aux racines de la musique que j'écoutais. J'ai tout simplement aimé l'écouter et danser dessus. C'est devenu ce que je pense que les acteurs entendent par sens ou mémoire corporelle : le plaisir est passé de mes oreilles jusque dans mon corps, et j'ai appris la chanson viscéralement. En fait, ce n'est que bien des années plus tard que j'ai lu la distinction que le grand poète et critique musical Phillip Larkin avait faite à propos du jazz : qu'il y a une différence entre un public qui écoute et un public qui danse, et jusqu'après la Seconde Guerre mondiale et la naissance de la musique jazz bop était très liée à la danse. Je faisais avant tout partie d'un public de danseurs. S'il n'y avait pas de rythme sur lequel on pouvait danser, ce n'était pas vraiment de la musique, c'était mon sentiment.

Ray Charles

Nous avons tous dansé sur Ray Charles, qui avait une longue liste de disques à succès avant même l'arrivée de son hit révolutionnaire What'd I Say. Mais en écoutant maintenant, je peux mettre le grand Ray Charles dans un contexte que je ne pouvais pas alors, et j'en suis venu à comprendre pourquoi les bonnes gens d'Atlantic Records ont intitulé l'ensemble en trois volumes de ses enregistrements des années 1950 The Birth of Soul. La soul, comme Ray Charles en est venu à l'expérience et à la raconter, était un amalgame chaud de jump blues, de style de ballade de la côte ouest et de gospel, et ce sont ces éléments de la musique noire qui se réunissent de manière unique dans ces premiers enregistrements. C'est comme si Brother Ray était un rejeton de Louis Jordan, Charles Brown, une bonne dose de The Dixie Hummingbirds et Swan Silvertones, un peu de Nat King Cole, et quelques Amos Milburn et T-Bone Walker jetés pour du bon rock. Il était, en ce sens, à la fois l'aboutissement de ces styles et de ces forces, ainsi que le résultat de leur mélange.

Différentes coupes de cette collection Atlantic reflètent les différentes influences et montrent clairement l'incroyable fusion qui en est ressortie. La plus évidente est la similitude entre le style et la voix de la ballade blues de Ray Charles et celui du styliste de blues super doux Charles Brown. C'est tellement proche que sur Vol. 1 (1952 – 1954), trois coupes – The Midnight Hour, Losing Hand et Funny But I Still Love You – sonnent à tous points de vue comme Charles Brown. Vous devez écouter attentivement pour savoir que c'est Ray Charles qui chante et non Brown. Et puis on dirait que quelqu'un fait une imitation parfaite de Brown. Sans oublier, en l'occurrence, que tous deux étaient des pianistes incroyablement accomplis. Comme bien sûr Nat Cole, un autre chanteur-pianiste que Ray a imité pendant un moment.

Charles Brown (né au Texas en 1920) avait dix ans de plus que Ray, et sa carrière a commencé une demi-douzaine d'années avant celle de Ray. Il avait commencé à enregistrer avec The Three Blazers en 1944, et à cette époque était déjà développé en tant que styliste de blues doux, comme en témoigne la chanson Driftin 'Blues à ce premier rendez-vous, qui est devenue un succès immédiat et reste un classique de la ballade de blues. genre à ce jour. Parallèlement à ces ballades blues chaleureuses, il appose son empreinte urbaine sur des versions de standards tels que Harbour Lights et Cottage for Sale. Il avait ce style de saloon lisse et décontracté de la côte ouest mieux que quiconque. Ces enregistrements évoquent un sentiment des boîtes de nuit urbaines enfumées des années 1940 mieux que tout ce à quoi je peux penser, à moins d'un film de Humphrey Bogart.

Ray Charles a commencé à enregistrer à la fin des années 1940 et n'a atteint les charts R&B qu'en 1951. Losing Hand a été enregistré en mai 1953. Mais cette session a également produit It Should Have Been Me, qui est un jump blues parlant dont Louis Jordan aurait été fier ; ainsi que Heartbreaker, avec ses échos de Bobby Sox Blues de T. Bone Walker. Mais ces chiffres n'étaient en réalité qu'un bref retour en arrière, car c'est au cours de cette même session que Charles a enregistré Mess Around, une chanson tellement dans le présent (c'est-à-dire le présent 1953), une chanson qui montre tellement qu'il a déjà trouvé son sa propre voix que ses jours où il imitait Jordan, Brown, Nat Cole ou n'importe qui d'autre étaient terminés. Pratiquement terminé au moins, parce qu'il a continué à mélanger le blues avec le gospel - comme de nombreux membres d'église solides en étaient horriblement conscients - mais il avait définitivement trouvé sa propre voix. Peu importait qu'il chante et joue avec un rythme rapide et palpitant ou un rythme atrocement lent, nous avons tout aimé. Cette session a également produit MaryAnn, avec son rythme latin et son pont tournant si caractéristiques des années 50. Mais Mess Around était Rock 'n Roll, c'était swingin' Soul, et c'était la naissance figurative de Ray Charles.

Il a fallu attendre 1959 pour que Brother Ray atteigne le grand public blanc avec l'énorme succès What'd I Say, mais à ce moment-là, il était déjà une légende dans la communauté noire depuis plus d'une demi-douzaine d'années et facilement identifiable. Les disc-jockeys, les juke-joints, les fêtes à la maison, les danses d'auditorium et les concerts en plein air avaient déjà accumulé d'innombrables heures de This Little Girl of Mine, Hallelujah I Love Her So, Swanee River Rock, That's Enough, Yes Indeed, I Got a Woman, Drown dans My Own Tears, Night Time is the Right Time, Rockhouse et une douzaine d'autres morceaux solides. Après 1953, personne ne l'aurait confondu avec Charles Brown. Ou n'importe qui d'autre. Frère Ray avait trouvé sa voix.

Sources:

Une discographie basique mais pointue pour la naissance de l'âme

Ray Charles: La naissance de l'âme , Atlantique, 1991 .

Le Cool Cool Blues de Charles Brown, 1945 – 61. Jasmine, 2012.

Le meilleur de Louis Jordan, MCA, 1989.

The Dixie Hummingbirds: Complete Recorded Works, Document, 1996.

The Swan Silvertones: My Rock / Love Lifted Me, Spécialité, 1991.

Le meilleur de T-Bone Walker, Rhino, 2000.

Histoire de Nat King Cole, EMI, 2001.

Portrait De Franck Sinatra

Un dernier mot sur Sinatra

Il y a eu tellement d'écrits sur Sinatra, que reste-t-il à dire ? Sa vie, sa carrière, son art ont tous été scrutés par des critiques très compétents. Il semble assez impossible d'avoir lu tous les livres, puis de se rendre compte qu'il y en aura probablement deux ou trois autres publiés avant que je termine cette phrase. Un autre musicien de jazz a-t-il attiré autant d'attention ? Même en dépit de son autre carrière d'acteur ?

Et pourtant, autant que je sache, il y a encore quelque chose d'un mystère sur le cœur même de son appel. Je continue de penser aux choix de Sinatra. Ni ses choix de carrière, ni ses choix d'épouses, ni ses scénarios de films, ni même son choix de matériel musical. Je n'arrête pas de penser à ses choix lyriques, les choix qu'il fait dans chaque ligne des paroles qu'il chante. Le jazz, comme le jeu d'acteur, présente une série sans fin et continue de choix pour l'interprète. En musique, vous

Tirez court ou faites-le glisser. Appuie fort sur ce mot ou celui-là, ce rythme ou celui-là. Enjambez les lignes ou laissez beaucoup d'espace autour de chacune. Poussez une ou deux phrases supplémentaires entre les temps. Et ce n'est que le début. Chaque chanteur de jazz se sert de ces dispositifs pour former son propre style. Certains d'entre eux deviennent des signatures ou des gadgets.

Sinatra, bien qu'il n'ait jamais vraiment eu recours à des gadgets, était capable d'utiliser tous les appareils du livre et d'en inventer plus que quelques-uns. Il était astucieux, créatif et avait des tonnes d'expérience. Mais ce qui est si curieux dans ses choix, c'est qu'ils semblent si justes, si évidemment au point qu'il impose complètement son interprétation à la chanson et à nous. Pouvons-nous expliquer cela en disant simplement que c'est sa confiance avec un lyrique, ou son intelligence innée? D'autres grands chanteurs de jazz – Tony Bennett vient immédiatement à l'esprit – font des choix extraordinairement intéressants, souvent étonnamment intéressants lorsqu'ils chantent des paroles. Nous nous émerveillons. C'est super, on se dit, je n'y aurais jamais pensé. Mais avec Sinatra, cela semble être tout le contraire. Nous hochons simplement la tête et disons oui. Comment il semble si souvent le mettre dans la poche reste un mystère. Au moins pour moi. Ses choix semblent presque inévitables à la fois à l'époque et rétrospectivement. Nous pouvons difficilement saisir qu'il s'agissait de choix, tant ils s'impriment profondément dans nos esprits. C'est le mystère de l'art et de l'artiste.